Sol Calero: Que la estética no se coma el concepto

Sol Calero: Es importante que la estética no se coma el concepto
Sol Calero. Casa Anacaona en el festival de música de WOMAD, 2017. Fotografía: Jamie Woodley.

 

ANNA McNAY – Studiointernational.com
Traducción libre: Actualy.es
Debajo de las superficies pintadas de las instalaciones inmersivas de la artista venezolana Sol Calero, hay conceptos más profundos y políticamente informados para aquellos que se toman el tiempo para deshacer las capas.
Nacida en Caracas, Venezuela, en 1982, Sol Calero dejó América Latina para estudiar en Europa. Tiene su sede en Berlín, donde, junto con su práctica, co-dirige un espacio de proyectos, Kinderhook & Caracas. Formada como pintora, su trabajo tiende ahora a tomar la forma de instalaciones inmersivas con elementos de interacción social, como una peluquería con clases de salsa o una agencia de viajes con agentes reales que venden billetes de avión reales. En julio pasado realizó talleres en el festival de música Womad World of Art (Charlton Park, Wiltshire, UK), haciendo que los participantes crearan elementos decorativos para un pabellón tropical, que ahora está siendo reensamblado en el puerto en Folkestone, antes de la Trienal .
Calero ha ganado varios premios internacionales y este año ha sido nominada para el premio de la Galería de Arte Nacional, en asociación con Hamburger Bahnhof, en Berlín.
Habló con Studio International sobre los conceptos políticos que subyacen en su colorida estética y de la influencia de la salsa en su práctica.

Anna McNay: La mayoría de sus proyectos toman la forma de instalaciones a gran escala, convirtiendo el espacio de la galería en otro lugar -como una peluquería para Bienvenidos a Nuevo Estilo en Laura Bartlett Gallery, Londres, en 2014, donde también hubo clases de salsa, o una estación de cambio de moneda para Art Basel 2014– todo en un ambiente latinoamericano. Usted se entrenó, sin embargo, como pintora. ¿Cómo encontró su camino en la producción de un trabajo de esta naturaleza inmersiva?

Sol Calero: Fue un proceso muy orgánico. Siempre que hago una instalación, también estoy organizando el espacio o componiendo como si estuviera haciendo una pintura. Yo estaba haciendo sobre todo pinturas abstractas antes de comenzar este trabajo. El lenguaje que desarrollé como pintor abstracto se quedó atascado. Pero yo también estaba interesada en el arte conceptual, así que, de alguna manera, el trabajo que estoy haciendo ahora combina ambas cosas. Pero, en un sentido formal, casi siempre adopto un enfoque pictórico. Realmente me gusta pintar como un medio porque, para mí, es el proceso más abstracto que puedo hacer. Lo que sucede en tu cerebro cuando estás pintando es bastante único. Estoy fascinada por cómo el cerebro puede pensar con 10 o 100 colores por delante, cuando están siendo mezclados en la paleta. En cierto modo, intento traducir ese proceso al espacio. Pero a menudo tengo un fondo conceptual o de investigación para estos proyectos, combinando ambas cosas al mismo tiempo.

AMc: Cuando estás pintando, o pintando para una de tus instalaciones, ¿has calculado dónde va a ir cada color, o se desarrolla mientras estás produciendo el trabajo?

Sol Calero: Es importante que la estética no se coma el concepto
Sol Calero. Casa Anacaona en el festival de música WOMAD, 2017. Foto/ Jamie Woodley.

SC: Tengo una paleta seleccionada. Me siento mejor si he hecho una planificación previa, lo cual es difícil. Trabajo con un modelo 3D en mi computadora. Así, tengo una idea de cómo se verá porque a veces tienes dos semanas para instalar, que es muy apretado para una instalación grande, por lo que es más fácil de esa manera. Pero siempre cambio las cosas en el sitio, también, porque, al igual que con la pintura, a veces se planea algo, pero luego no funciona como esperas. Vengo con una idea y una paleta, por supuesto, pero luego todo acaba siendo mezclado en el momento.

AMc: ¿Con qué tipo de pintura trabaja?

SC: Para las paredes, acrílico. Solía ​​usar óleo, pero, por la forma que pinto, que es bastante rápido, es mucho más fácil y es mejor usar el acrílico porque se seca al instante.

AMc: Moritz Scheper en Frieze (24 de mayo de 2017) describió su trabajo como una “pintura tridimensional, a pie”. ¿Crees que es una descripción adecuada?

SC: Sí, porque era un artículo sobre Interiores, un programa que hice específicamente con esa idea. No siempre está destinado a ser así, aunque se podría pensar en ello de esa manera. Pero Interiores, el espectáculo que hice en Dortmund (Alemania), fue una presentación más formal, no realmente con un espacio social, sólo para desarrollar algunos pasos más en mi lenguaje formal. El año pasado, hice una muestra de pintura en Laura Bartlett Gallery sólo para enfocarme en las pinturas. Esta vez quise crear un trabajo escultórico, trayendo las pinturas a una dimensión 3D. Así que sí, se suponía que se sentiría así. La composición era un punto de vista: si se paraba delante de un trabajo, lo veía como una pintura plana, pero luego, por supuesto, cuando caminaba, se podían ver todos estos paneles de madera que eran independientes, sensación de un escenario, también. Fue muy divertido de hacer. Fue un experimento para mí. Yo estaba muy contenta con ella al final. En realidad, en Casa Anacaona , usted puede ver los cortes, todos los elementos decorativos, y los muebles han venido de ideas de Interiores. Utilicé las mismas técnicas e ideas y algunos de los elementos creativos, también.

Sol Calero: Es importante que la estética no se coma el concepto
Sol Calero. Casa Anacaona en el festival de música de WOMAD, 2017. Fotografía: Jamie Woodley.

AMc: ¿Encuentras a menudo que una pieza o instalación conduce a la siguiente?

SC: Sí, para este tipo de trabajo, un tema se extiende por todas partes. Las pinturas a veces se convierten en paredes en otras muestras. Esas paredes o elementos arquitectónicos se convierten en elementos para otra pintura. Algunas esculturas tienen referencias de las pinturas, y el mobiliario toma de las pinturas sus patrones textiles y motivos. Todo está conectado, pero, como digo, es muy orgánico. Algunas cosas suceden de forma muy natural, y entonces me digo: “Oh, no me di cuenta, pero estoy usando esta forma aquí, que usé tres veces anteriormente.”

AMc: Usted mencionó cortes. ¿Es incorrecto ver influencias, por ejemplo, de Henri Matisse en su trabajo?

SC: No, no está mal, aunque no es intencional. Creo que es porque él es el artista más popular que conocemos entre quienes han utilizado esa técnica, y también los colores son similares. Pero, en mi trabajo, hago referencia a artistas latinoamericanos que la gente de aquí podría no conocer. Así que, en ese sentido, si ves a Matisse, eso es genial, pero alguien más podría ver a alguien más, y eso tampoco está mal. Matisse es un gran pintor. Cuando estaba estudiando, le presté mucha atención. Pero no es como si estuviera usando sus libros recortados para inspirarme cuando estoy trabajando ahora.

AMc: Usted ha dicho que pocos artistas latinoamericanos -y especialmente venezolanos- están representados en el mundo del arte. ¿Crees que esto está mejorando?

SC: Sí, está mejorando, especialmente porque hay algunos curadores y pensadores que están haciendo un buen trabajo. Es lento, pero está mejorando. Supongo que también, cuanto más investigo, más descubro. Hay muchos más artistas latinoamericanos de lo que pensaba. Cuando estudié en Europa, nunca me dieron esas referencias. Las he conocido por mi propia curiosidad. Pero también es como cuando estás haciendo arte, si de repente empiezas a pintar pelotas, o algún objeto específico, entonces de repente comienzas a descubrir cuántos artistas están pintando lo mismo.

Sol Calero: Es importante que la estética no se coma el concepto
Sol Calero. Casa Anacaona en el festival de música de WOMAD, 2017. Fotografía: Jamie Woodley.

AMc: ¿Está usted tratando de encajar en algún género latinoamericano?

SC: No, realmente no creo que haya ningún género en el que pueda encajar. Me mudé a Europa cuando tenía 17 años, así que me gusta decir que mi posición es más la de una inmigrante que ha perdido su identidad y la está buscando de nuevo. Te mudas a un nuevo lugar, te adaptas a un nuevo país y un nuevo idioma, pero siempre te sientes como si no estuvieras allí, no importa cuánto lo hagas. Para mí, me siento como un elemento flotante entre Europa y América Latina. Cuando voy a Latinoamérica, y hablo con artistas latinoamericanos, no nos conocemos y probablemente no estamos hablando de las mismas cosas. Y cuando estoy aquí, es lo mismo. Nací en Venezuela y soy latinoamericana, por supuesto, pero mi posición es como la posición de los que tuvieron que salir de América Latina, lo que es bastante complicado, tengo que decirlo. Iré a Ciudad de México por cuatro meses en el otoño para hacer una residencia y estaré interesada en cómo veo mi trabajo desde esa perspectiva. Estoy muy emocionada. Voy con mi compañero Chris [artista Christopher Kline], y estamos haciendo la residencia junto con nuestro espacio de proyectos. Nosotros organizamos espectáculos en nuestro espacio de proyectos aquí en Berlín, así que vamos a hacer eso en México también, pero además nos dará tiempo para investigar.

AMc: ¿Ve su espacio de proyectos sin fines de lucro, Kinderhook & Caracas, como parte de su práctica, o se extiende más allá de eso?

SC: Es una parte muy importante de mi práctica -casi el 50%, de alguna manera- porque el espacio está conectado a mi apartamento en Kreuzberg, así que es realmente parte de mi vida, más que mi práctica. Abrimos hace seis años y lo que hemos aprendido en el espacio es tan diferente de lo que se puede aprender en el mundo artístico institucional, liderado por galerías. Realmente lo aprecio. Este elemento de mi práctica mantiene mis pies en el suelo porque tenemos que convertirnos en gente que apoya al artista en el desarrollo de una idea. Aprendemos mucho de eso, y se convierte en un proceso muy colaborativo, que es algo que a ambos nos gusta en nuestras prácticas. Cuando ejecutas tu propio espacio de proyectos, lo haces de la manera en que realmente crees que deben hacerse las cosas. Siento que es una forma de apoyar a otros artistas y, para mí, eso es importante.

AMc: ¿Cómo decides quién va a trabajar en tu espacio?

SC: Cambia. Justo en este momento, tenemos un programa de dos años con un colectivo llamado Conglomerado. Cinco artistas están ejecutando un canal de televisión en línea. Cuando empezamos, sólo invitábamos a artistas que realmente nos gustaban, en su mayoría jóvenes artistas que aún no habían mostrado nada en Berlín. Ahora ya no necesitan mostrar en nuestro espacio de proyectos. Probablemente el próximo año comenzaremos otro nuevo programa. Intentaremos trabajar con artistas aún más jóvenes, los que salen de la escuela, tal vez. Todavía somos jóvenes a los 35 años, pero sentimos la diferencia ahora que hay una mayor brecha de edad, y la energía y la información es muy diferente. Es muy emocionante trabajar con artistas muy jóvenes -son como esponjas. Ellos quieren hacer mucho, y no están tan preocupados por el dinero, sólo quieren crear cosas. Estamos en un período en el que tratamos de mostrar no solo el arte. En el pasado, hemos tenido programas sobre música, también, o temas diferentes. Todavía no sabemos lo que queremos hacer, pero esa es la idea.

AMc: ¿Qué fue lo que te llevó a Berlín en primer lugar? ¿Estudiaste inicialmente en Tenerife y luego en Madrid?

SC: También estudié en Manchester por un semestre, y luego en Barcelona. Yo estaba viviendo en la época del socialismo español, lo que significa obtener todas las subvenciones que se pudieran obtener, porque yo no tenía el dinero para pagar cualquier alquiler o cosas por el estilo. Así que, cuando terminé mi maestría, solicité una beca de prácticas en Berlín, para venir a trabajar aquí durante tres meses para un artista. Entonces me quedé porque, en ese momento en España, la idea de abrir un espacio, o simplemente de ser artista, era un sueño. Todos estábamos pensando más en convertirnos en diseñadores o hacer algo para ganar algo de dinero. Pero cuando llegué a Berlín, me di cuenta de que en realidad se puede ser un artista -y eso fue increíble.

AMc: Obviamente la situación es un poco complicada en este momento, pero ¿tienes algún deseo de regresar a Venezuela?

SC: Me encantaría vivir en Venezuela si no fuera tan problemático como lo es. Pero también me gusta vivir en diferentes lugares, así que probablemente mantendremos una base en Berlín, pase lo que pase, porque es realmente estupendo vivir aquí, pero siempre estamos pensando en vivir en otro lugar durante seis meses. Tal vez en las Islas Canarias, que tienen una cultura muy similar a la de Venezuela, así que siempre me encanta ir allí. Mi padre es de allí, así que por eso tengo la conexión también. Vamos a ver -tal vez [vamos a ir] después de México. Extraño estar en una cultura latina después de ocho años en Alemania. Es una cultura muy diferente -y el clima especialmente. Realmente me gustan muchas cosas de vivir en una cultura tan organizada; es muy bonito, pero el invierno es como ocho meses sin ver el sol. Tiene sus cosas negativas, también. Estoy mirando el sol desde mi ventana ahora mismo y cada día cuando el sol sale en el verano, estás aterrorizado porque el invierno está llegando. Es muy deprimente.

AMc: Actualmente tiene una exposición en el Kunstpalais en Erlangen, Baviera, llamada Agencia Viajes Paraíso. La instalación inmersiva, con una agencia de viajes simulada que contiene mini-aviones, hamacas y relojes con diferentes husos horarios, lleva a los visitantes a través de las diversas etapas y las implicaciones de viajar por ocio.

SC: Sí, en esta lógica de recreación de espacios sociales para los temas con los que trabajo, pensé que una agencia de viajes sería una buena idea, porque si hay un sitio que es casi responsable del exotismo de los lugares, es una agencia de viajes. Es también un espacio que ya no existe: la gente no va a las agencias de viajes ahora; se reserva todo en línea. Pero esta idea de vender un paquete al paraíso -o a un lugar muy exótico- me interesó de verdad. ¿Cómo lo presentas? ¿Cómo diseñar una revista para presentarla a la gente? Estas son las cosas que también afectan nuestra percepción: la forma en que promovemos y retratamos, en este caso el Caribe, pero podría ser Asia, podría estar en cualquier otro lugar, incluso en Estados Unidos.
Es una gran exposición: tiene cinco habitaciones. La idea es que al entrar, es casi como viajar. Usted entra y hay una sensación de una pequeña ciudad con mis cuadros de casa colgando en la pared. Luego vas a una sala de espera, y aquí estoy presentando algún trabajo en colaboración con otros artistas, que están tratando con los mismos temas que yo. Entonces usted va a la oficina, donde puede comprar los boletos. Hemos invitado a una agencia de viajes de la ciudad a ser parte del proyecto, por lo que algunos empleados están allí cada semana con sus ordenadores y están vendiendo boletos reales. Al parecer, en las pequeñas ciudades de Alemania, a la gente todavía le gusta ir a las agencias de viajes. Se sienten más seguros cuando pueden hablar con alguien y cambiar sus boletos si es necesario. Hay otras dos habitaciones: una habitación contiene una escultura que parece una revista de viajes. La otra habitación se supone que es la última habitación donde termina su viaje y puede relajarse. Es una especie de terraza tropical con pinturas y plantas y se puede leer o utilizar el espacio para lo que quieras.

AMc: ¿Cómo los visitantes suelen responder a su trabajo? ¿Pasan mucho tiempo allí? ¿Interactúan de la manera que esperan que lo hagan?

SC: Esto es algo que siempre es sorprendente. Hay quienes caminan adentro y ellos realmente tienen gusto por los colores y piensan que es realmente divertido y hermoso. Luego están los que pasan un poco más de tiempo y perciben que hay otras capas en el trabajo más allá de la diversión y la estética colorida. Esas son las capas que siempre proveo para las personas que prestan más atención. Por ejemplo, en la Casa de Cambio -la oficina de cambio de divisas- estás sentado allí y te estás preguntando qué es este colorido lugar con pinturas de frutas, y cosas así. Pero no es hasta que veas los videos de otros artistas venezolanos que invité, o lees el comunicado de prensa, que te das cuenta de lo que es el trabajo. Los proyectos de los otros artistas se refieren a la situación en Venezuela, relacionada con la hiperinflación. Mi trabajo se basa a menudo en la investigación y en una situación política. Siempre hay algo más detrás de un lugar hermoso. Pero estoy feliz al crear espacios acogedores para la gente. No creo que llevar problemas políticos o conceptos más complicados a una obra de arte necesariamente (sea la mejor manera) de llegar a la audiencia. Ir a, en mi caso Venezuela, y tomar fotos de lo que está sucediendo ahora y ponerlas en mi instalación sería demasiado obstáculo para el espectador que asiste por primera vez, sería demasiado descarado. Si usted apenas entra y goza de los colores y de la estructura formal del trabajo, eso es totalmente “fino”. Pero si usted consigue realmente el punto y puede leer las cosas debajo de esa piel colorida, eso también es grande.

AMc: ¿Hay asuntos políticos que le preocupan especialmente en su trabajo?

SC: Me gusta ver lo que estoy haciendo como una especie de tesis. Todo lo que leo de alguna manera se convierte en un capítulo. Investigo un poco y estos proyectos salen de la investigación. A veces se trata de hiperinflación y otras veces se trata de cómo la música salsa refleja una identidad. Aún estoy en la hipótesis, de alguna manera. No creo haber llegado a una conclusión todavía.

AMc: Para llegar a su otro proyecto actual, Casa Anacaona: ¿cuál fue la investigación que le llevó a eso, hay una idea específica detrás?

SC: No, este proyecto no estaba tan profundamente ligado a ningún concepto en particular. Me invitaron a hacer algo en dos lugares muy diferentes: Womad es un festival de música que no está ambientado en ningún contexto artístico en particular, mientras que la Trienal Folkestone está totalmente dentro del contexto artístico. Quería poner en práctica el aspecto social de mis instalaciones, porque las hago para tener algún tipo de interacción social. Algunos de ellos son más exitosos que otros porque siempre depende del espacio o la organización en cuanto a si tiene alguna actividad social. Para Casa Anacaona, pensé que sería interesante hacer algún tipo de intercambio entre los lugares. Mi idea era llevar el arte al festival y la música a la trienal. Quería establecer una colaboración con gente en Folkestone que viajara conmigo a Womad, para continuar este trabajo allí, y luego volver a la posición final de la instalación en Folkestone durante tres meses -y funcionó muy bien, tengo que decir. Las cosas obviamente cambiaron de una manera que no esperaba, porque estábamos trabajando con mucha gente. Trabajé con un grupo de jóvenes creativos -entre 23 y 25 años- en Folkestone. La ciudad tiene el problema clásico de todas las pequeñas ciudades en todas partes, en el Reino Unido o cualquier otro país, donde los jóvenes están saliendo de la ciudad. Pero estos chicos siguen ahí, y están dispuestos a vivir en Folkestone, están averiguando lo que quieren hacer. Algunos de ellos estudian arte, y un par de ellos eran jóvenes carpinteros, pero algunos de ellos ni siquiera sabían cómo usar una sierra. Trabajamos juntos durante un mes en Folkestone para construir la casa. Diseñé todo el proyecto antes de ir allí, por supuesto. Entonces tuvimos algunos carpinteros profesionales para construir las partes pesadas de la estructura porque obviamente tenía que ser seguro. Construimos los muebles y los elementos decorativos de la estructura. Entonces el equipo viajó a Womad y lo construimos otra vez allá. Durante el festival, celebramos talleres de pintura. Habíamos ahorrado toda la madera sobrante de la construcción y la cortamos en diversas formas. Traté de hacer algunos motivos marinos, porque la instalación en Folkestone va a estar al lado del mar, pero son tan abstractos que no parecen nada, de verdad. La gente en el festival hizo pequeñas pinturas utilizando los cortes, y los atornillé a la estructura. Nos ayudaron a terminar la decoración del pabellón. Ahora está de vuelta en Folkestone, donde todavía estamos programando una serie de eventos o actividades como parte de la trienal. Una de las cosas principales, que sabemos con certeza van a suceder, son las clases de salsa en el pabellón. Estamos tratando de reunir grupos de personas que quieran usar el pabellón. Es gratis y puedes usarlo como quieras. Así que tal vez terminaremos teniendo clases de yoga o la celebración de un mercado de alimentos, incluso. No lo sé todavía.

AMc: ¿Qué tan grande es el pabellón?

SC: Tiene 100 metros cuadrados, por lo que es bastante grande. Es interesante porque cuando lo ves en Folkestone, se ve enorme, pero cuando lo vimos en Womad, junto a unos árboles muy altos,  parecía pequeño. En realidad, mi apartamento es de ese tamaño, por lo que no podía creer que estábamos celebrando talleres con 30 personas pintando al mismo tiempo en ese espacio. Y definitivamente habrá espacio para bailar, también.

AMc: ¿Podrán las personas ir sólo para ver el pabellón, o tendrían que estar participando en uno de los eventos?

SC: No, el pabellón está abierto al público. Eso es una gran parte del trabajo. Construí este pabellón para que la gente vaya a pasar el rato en cualquier momento. Es bastante agradable porque está justo frente al mar en una parte nueva de la ciudad, en el brazo del puerto. Actualmente están construyendo un paseo marítimo a través de la playa, que dará acceso al pabellón. Tuvimos muchos problemas cuando lo estaba diseñando porque hace mucho viento allí. Los ingenieros decían: “No podemos hacer esto debido al viento.” Fue muy molesto, pero realmente puede ser bastante ventoso. Todo estará bien, sin embargo; la gente está acostumbrada al viento.

AMc: ¿Tiene el título del pabellón Casa Anacaona algún significado?

SC: No está particularmente conectado al proyecto. A veces titulo algunas cosas -pinturas, obras o incluso instalaciones- con títulos de canciones de salsa. Anacaona es el título de una canción de salsa del cantante panameño Rubén Blades. Se trata de una princesa indígena del siglo XV que fue inmortalizada como símbolo de rebelión contra los conquistadores españoles porque se negó a casarse con un conquistador y fue asesinada. Pero realmente tomé el nombre porque me gusta la canción y la idea detrás de la canción. En América Latina, las personas nombran cosas para personalizarlas de alguna manera. Ponen el nombre de una persona a su casa, como Casa Luisa, por ejemplo. No tienen números; tienen nombres.

AMc: ¿Qué tan integral es la música para su trabajo en general?

SC: A menudo pienso que la música es tan poderosa que hace algo que el arte no puede hacer -por ejemplo, el poder que sientes cuando estás en un concierto y tienes un millar de personas delante de una banda. Quiero hacer arte como la música que puede darte algún tipo de sentimiento, ese tipo de sentimiento. En un sentido más general, cuando se trata de la salsa, que es la referencia que más uso en mi trabajo, es porque estaba realmente interesada y sorprendida cuando descubrí a través de mi investigación que la salsa fue realmente creada en Estados Unidos, en New York. Pensé que era interesante cómo un tipo de música que representa la identidad de un lugar, de un continente entero, o la mitad de un continente, no se hizo en el lugar de origen. No sólo eso, realmente me gusta la salsa de los años 70, especialmente Blades. Estaba haciendo algo muy especial en ese momento en el tiempo; él estaba poniendo temas políticos en la letra de su música de salsa. Estaba escuchando esta canción un día en mi estudio, y es una canción que he conocido desde que era una niña, y sólo sabes las letras y bailas. No fue hasta que yo era adulta que me di cuenta: “Oh, Dios mío, esta canción es realmente política.” Se trata de una prostituta que fue asesinada por un hombre sin casa. Había toda una cuestión política dentro de las letras que nunca había escuchado. Pensé que era tan asombroso que Blades podía hacer esto; que usted puede estar bailando salsa -música que tiene tal sensación de fiesta- y estar hablando de tantas cosas serias. Se convirtió en una gran referencia para mí, porque así es como siento que mi trabajo funciona de alguna manera también. Llegas a estos lugares muy coloridos y estás en el estado de ánimo del ritmo de la canción, pero, si lees las letras, está hablando de otra cosa. Así que esa es la conexión: yo uso eso como una referencia, como un método de trabajo, de alguna manera. Para mí, es importante que la estética no se coma el concepto. Siempre hay esta línea delgada en mi trabajo, que de alguna manera he tenido la suerte de mantener. Todo el tiempo tengo estas ideas para construir estos lugares y crear esta confrontación de estética y concepto. Siempre es un placer cuando la gente realmente lo ve, y son como: “OK, lo entiendo.” No es sólo cosas coloridas; hay una declaración grande también.

(Nota de Actualy.es: La artista equivoca al autor de la letra de Anacaona. La escribió Tite Curet Alonso para Cheo Feliciano, ambos de Puerto Rico).

 

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